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위 승 연 도 예 전

2007.9.5~9.11

한국공예문화진흥원
(서울시 관훈동 182-2  T.02-733-9040)

전통미의 차용에서 현대적 변용으로 (전통미의 현대적 변용)

-김상채(호서대학교 교수)

프로메테우스가 신에게서 불을 훔쳐 인간에게 전해주면서 인류는 급속히 문명의 진전을 가져왔다. 불은 인간의 생활에 위대한 변혁을 가져왔지만 예술에서도 커다란 진보를 이룩해 냈다. 흔히 도자예술을 불과 흙으로 빚어낸 예술이라고 한다. 천상의 불과 지상의 흙은 인간의 창작의지가 개입되어 수천 년 이래로 인류 생활 깊숙이 자리하면서 실용적 기능의 일상생활 용기에서부터 공예성과 조형적 특성을 갖춘 3차원의 공간예술로까지 발전하면서 오늘날에 이르렀다.

허버트 리드는 도자예술은 한 나라의 민족정신과 예술수준을 반영한다고 지적하고 도자예술의 사회적 가치에 대한 의미와 도자예술의 본질에 대한 가치를 강조했다. 비단 도자예술 뿐만이 아니라 모든 예술장르 또한 민족의 정신과 풍토, 그리고 사회적 환경까지 반영하는 거울이기도 하다. 이런점에서 작가 위승연의 작품 역시 자신을 감싸고 있는 모든 환경적 요인이 투영되었을 것이고 자신의 정신세계를 드러내는 표현수단이자 세상과 소통하는 통로이기도 하다.

다섯 번째 맞는 위승연의 이번 작품 또한 여전히 전통의 차용에서 시작된다. 초기부터 작가가 꾸준히 천착했던 전통의 가치를 주세로 한 현대적 변용은 접시전,반상기전, 그리고 철화백자 접시, 사발과 화기 등을 거쳐 네 번째 전시회에서는 옹기의 타래기법을 응용한 항아리 등에서 여실히 나타나고 있다. 작가는 이에 머무르지 않고 작품의 새로운 모색을 위해서 중국 경덕진의 낙천도사에서 연수를 하면서 기면에 청화와 진사안료를 사용하여 보다 더 두드러진 회화적 요서를 표현 하였다. 익히 알려져 있듯이 중국의 경덕진은 한나라 때부터 도기를 만들기 시작하여 북송때에는 이미 정교한 청자를 만들기 시작했으며 원나라 때에는 우수한 청화백자로 유명하며 명나라 이후 중국 최고의 도자기 생산지가 되었던 곳이다. 작가 위승연의 졍덕진 체험은 이후 자신의 작품세계를 보다 풍부하게 만드는 계기가 되었을 것으로 생각된다. 이번 전시회에 출품되는 작품들은 바로 이 시기의 연장선상에 있으면서도 한국적 미감을 바탕으로 새로운 변모를 시도하고 있다.

기존에 연구된 내외국인 학자들의 견해에 따르면 한국미에 대한 특질은 '필치에 관하여 말한다면 자연성을 저버리지 않았으며, 인간형태의 표현에 있어서 어딘가 딱딱하지만 해학적으로 처리'(라이히 박물관 소장품 도록,1891년), '자연의 순수한 표현에 대한 기쁨이 드러나고 있다'(한국미술, 1902년 짐머만). 또한 한국인 최초의 미학자이자 미술사학자인 고유섭 선생은 한미술은 '무기교의 기교', '무계획의 계획'을 특징으로 하는 소박하고 자연스러운 범주의 것으로 파악하고 '생활과 분리도기 이전의 상태'인 '생활 자체의 본연적 양식화 작용'에서 나오는 민예적인 성격의 것으로서 담소와 질박, 조소성의 미학이라고 설명하였다. 이후 학자들은 '자연스럽고 소박한 부기교의 미'(백기수,동양미학자)"한국미술의 바닥에 흐르고 있는 것은 자연주의 라고 할 수 있따"(김원룡,미술사학자),'순리의 아름다움' '담조의 아름다운',(최순우,미술사학자),'소박미'와 '해학미'(조요한, 예술철학자)들으로 한국미술에 대한 특질을 이야기 하고 있다. 이처럼 보편적으로 언급되어지는 '소박미,자연미,해학미'등이 한국미술의 기저를 이루고 있다고 생각된다. 이런 관점에서 보면 위승연의 작품 또한 한국미의 특질을 잘 내포하고 있다고 보여진다.

'나의 작업 안에서는 계획된 양식이나 논리적인 사고와는 전혀 무관한 나만의 유희가 존재한다'라는 작가의 말에서 읽을 수 있듯이 '무계획의 계획'과 '순리의 아름다움' 이 바로 위승연 작품에 나타나는 정신이다.

서구적 관점에서 본 미의 개념은 보래 고대 그리스 시대부터 수학적 질서에 의한 균형,조화, 통일이라는 이상화된 틀을 벗어나지 못하다가 근대에 이르러서야 비로소 그 형식을 깨기 시작했다. 이에 반해 동양에서는 이미 고대로부터 유교의 중용, 불교의 중도, 그리고 노장사상의 무위자연을 바탕에 둔 미학사상이 그 중심축을 이루고 있다. 어느 쪽에도 치우침이 없고, 인위적으로 만들어지는 것이 아닌 자연법칙에 순응해야 만이 진정한 미를 창작할 수 있는 것이다. 이미 작가의 정서적 토대는 바로 이러한 동양전신에 근간을 두고 있다.

"정적이거나 동적인 것 어느 한쪽으로 치우치지 않고 나의 일상을 흐르는 물처럼 다툼이 없는 상태를 추구하고자 하는 것이 작업할 때의 철학이다.'
전통도예와는 다르게 현대도예는 실용성을 넘어서 오브제로서의 기능을 첨가시킴으로서 도예예술의 또 다른 방향성을 제시하였따. 이 점은 위승연의 작품 속에서도 예외가 아니다. 작가는 전통적 형식에만 매몰되지 않고 끊임없이 새로운 형식 실험을 통해서 전통을 극복하면서 도예예술의 외연을 넓혀 나아가고 있다. 그러한 노력들은 접시와 발, 푼주 등의 기법과 기형에 그려진 문양들의 표현방식에서 나타난다. 작가는 기존의 전통적 기형에서 한발 더 나아가 도자에서 훨씬 도조적인 느낌을 주는 구체적 형상이 있는 작업을 시도하고 있는 점이다. 물론 이러한 표현 방식은 이미 경덕진의 연수시절부터 새롭게 선보이기 시작하기 했지만 제한적으로 표현했을 뿐이다. 특히나 이번에 새롭게 등장하는 민화속의 해학적인 호랑이 형상은 도조이지만 여전히 실용성을 강조하고 있는 듯하다. 흙이 갖는 물성을 이용한 작위적이지 않는 지벙형성 또한 위승연의 심상과 맞닿아 있는 코드이다. 규칙을 벗어나 경계를 무너뜨리고, 무계획적으로 빚어 놓은 듯, 유연한 선의 흐름은 바로 우리 주변의 산천에서 볼 수 있는 풍광처럼 안온하고 따뜻하다. 접시와 그릇에서 보이는 문양 역시 분청에서 보이는 전통적 소재로부터, 눈 돌리면 자연 속에서 쉽게 만나는 동식물들, 그리고 분방한 텃치의 표현들은 이 작가의 너그러운 시선이고 자유로움이다.

그의 작품은 미적 흥취를 발흥시키면서 실용성을 전제로 한 생활도자이지만 이미 그 이전에 하나의 사유이며, 자연의 관조를 통해서 체화된 비움의 미덕을 담아내는 그릇이기도 하다. 동양의 회화에서는 여백의 공간미를 중요시 한다. 비어 있되 비어 있지 않는, 다시 말해 감상자로 하여금 여백에서 상상력을 발휘하도록 하고, 이허용실(비어 있는 것으로서 채워진 부분을 살림)의 진수를 잘 깨달도록 해야 하는 것이다. 독창적인 예술세계를 만들어 가기 위해서 부단한 실험과 탐구정신이 필요하겠지만 비움으로서 채워가는 천지자연의 이치를 늘 되새겨야 할 것이다. 자연의 성창을 통해서 얻어지는 교훈의 소중함을 잘 이해하고 있는 작가는 이미 자연과 한 몸으로 동화되어 가장 자연적인 재료로 자연속을 유영하고 있는 것 같다. 아마도 그게 궁극적으로 작가가 꿈꾸는 행복한 세상일 것이다. 그러나 여전히 갈 길은 멀다. 그것이 작가 위승연이 존재하는 이유가 될지 모르겠지만 말이다.